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26 juillet 2017 3 26 /07 /juillet /2017 13:08
Peinture aborigène pointilliste
Sarah Leo NAPURRURLA, "Ngapa Jukurrpa - Water Dreaming - Puyurru", acrylique sur toile, 46 x 46 cm, 2016

 

Originaire de Yuendumu dans le Désert Central, Sarah Leo évoque ici le Rêve (Jukurrpa) de l’Eau (Ngapa) lié au site sacré de Puyurru, situé à l’ouest de sa communauté.

Les « Rêves » sont des légendes transmises oralement par les Aborigènes de génération en génération. Dans une culture où la vraie richesse se trouve non pas dans la possession matérielle mais dans le savoir, la connaissance de ces « Rêves » est un très long processus qui commence dès l’enfance au travers des cérémonies initiatiques. Lors de ces cérémonies, les participants revêtent leurs corps de peintures et dansent tout en chantant des épopées au son des percussions (souvent des bâtons à fouir ou des lances en ce qui concerne les habitants du désert central). Ces rêves expliquent la geste de grands ancêtres (hommes, animaux, plantes, reptiles, arbres, fruits, etc.) qui ont créé le monde au Temps du Rêve et dont les exploits ont fixé les règles de vie, la Loi.

Au fil des cérémonies, l’initié en apprend un peu plus sur le rêve qui lui est légué par son groupe familial. Ce rêve ayant une valeur sacrée, les artistes comme Sarah Leo ne nous donnent que la version inculquée aux enfants. Celle qui nous a été donnée mêle de multiples rêves - ou pistes de rêves - qui s’entrecroisent durant les périples engagés par différents ancêtres. L’histoire contée par cette toile commence avec deux hommes faiseurs de pluie de la famille Jangala qui appelèrent de leurs chants la pluie et déclenchèrent ainsi un énorme orage. Celui-ci se déplaça le long de leur territoire clanique dans un bruit tonitruant produit par les éclairs. L’histoire se complique par la suite et peut se résumer au simple fait que ce Rêve majeur explique comment les multiples marais dont dépendent la survie des peuples du désert ont été créés et surtout donne des repères spatiaux pour les trouver en fonction des dunes, des promontoires rocheux, etc.

Voir cette oeuvre sur le site de la Galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob, expert en art aborigène.

Voir d'autres oeuvres d'art aborigène

 

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4 avril 2017 2 04 /04 /avril /2017 11:43

Art Paris Art Fair 2017  : Stéphane Jacob commente une oeuvre exceptionnelle d'Abie Loy Kemarre sur son stand au Grand Palais.

Visonnez cette vidéo tournée par "Achetez de l'Art".

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7 mars 2017 2 07 /03 /mars /2017 14:39

Peinture aborigène
    Mary Butcher NAPANGARDI présente avec ce tableau sa version du Rêve de Pikilyi, un site sacré où se trouvent un trou d’eau et un ruisseau, non loin de Yuendumu. La légende dit qu’un couple de Serpents Arc-en-ciel y vivait. Des femmes venaient enlever des poux attachés aux corps des deux êtres mythiques qui, en échange, leur donnaient le droit de prendre de l’eau dans le ruisseau. Les Aborigènes célèbrent encore de nos jours des cérémonies dans ce lieu où réside toujours l’esprit des deux serpents.

     Comme la plupart des peintres du Désert Central, Mary Butcher a recourt au "dot painting", ou pointillisme, qui s'inspire des peintures sur sol traditionnellement réalisées à l'occasion de cérémonies rituelles. L’effet vibratoire qui en résulte donne l’idée même de la vie et rappelle que pour les Aborigènes, le Temps du Rêve n’appartient pas au passé, mais qu’éternel présent dont l’art et les rites religieux assurent la permanence, il est avant tout création continue et énergie.

Voir d'autres oeuvres du centre d'art de Yuendumu.

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1 février 2017 3 01 /02 /février /2017 15:28

"Marking the Infinite: Contemporary Women Artists from Aboriginal Australia "

du 28 janvier au 7 mai 2017

Patricia and Phillip Frost Art Museum Florida International University, Miami

Art aborigène

Cette exposition itinérante aux Etats-Unis réunis les oeuvres de neuf grandes artistes aborigènes : Nonggirrnga Marawili, Wintjiya Napaltjarri, Yukultji Napangati, Angeline Pwerle, Carlene West, Regina Pilawuk Wilson, Lena Yarinkura, Gulumbu Yunupingu, et Nyapanyapa Yunupingu. Soixante-dix oeuvres sont ainsi exposées et montrent qu'aucun média contemporain n'échappe à l'art aborigène contemporain : peinture sur toile, sur papier ou sur écorce mais aussi installations de sculptures ou encore vidéos.

Cet énième évènement dédié à l'art aborigène aux Etats-Unis montre combien cet art ne cesse de fasciner les amateurs et novices aux quatre coins du monde.

Cette exposition déjà montrée au Newcomb Art Museum à la Nouvelle-Orléans en 2016 est visible actuellement à Miami et sera ensuite visible au Scottsdale Museum of Contemporary Art, Scottsdale (Arizona) puis au Nevada Museum of Art, Reno, (Nevada), au Phillips Collection, Washington, et s'achèvera en 2019 au Museum of Anthropology, à la University of British Columbia, Vancouver, au Canada.

Un très beau catalogue - non disponible en France à ce jour - a été publié à cette occasion sous la direction d'Henry Skerritt qui avait écrit pour les éditions Arts d'Australie • Stéphane Jacob le premier catalogue monographique dédié à l'oeuvre de Nyilyari Tjapangati.

Voir des peintures aborigènes.

Voir les photographies de l'exposition qui s'est tenue au Newcomb Art Museum.

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31 janvier 2017 2 31 /01 /janvier /2017 12:03

Eileen Napaltjarri

Membre de la communauté artistique de Kintore (à la frontière entre les Territoires du Nord et l'Australie Occidentale), Eileen Napaltjarri fait partie du groupe familial des Pintupi dont les membres, chassés de leurs terres ancestrales par la colonisation, avaient été regroupés dans les centres de peuplement du désert central et ont longtemps vécu dans la région de Papunya où la peinture aborigène contemporaine est née dans les années 1970. Son père, Charlie Tararu Tjungurrayi, fut d’ailleurs l’un des membres fondateurs de la Papunya Tula Artists.

Cette toile est dédiée au site rituel de Tjiturrulpa situé un peu à l’ouest de Kintore et lieu de naissance du père de l’artiste.

L’endroit est situé dans un ensemble de collines rocheuses elles-mêmes entourées de dunes de sables et ce sont ces dunes que l’artiste a représentées comme si elle les voyait du ciel conformément à la tradition « satellitaire » d’une grande partie de la peinture du désert. La technique est, elle, inspirée du « dot painting » ou « pointillisme » typique de cette même peinture inspirée à l’origine par les peintures sur sol réalisées à l’aide de l’extrémité d’un bâtonnet trempé dans des pigments naturels.

Si elle a recourt à l’acrylique, la palette de l’artiste reste cependant assez proche des teintes chaudes des ocres utilisées rituellement pour dire la splendeur d’un territoire vibrant de vie et le célébrer dans tout l’éclat qu’il avait au Temps mythique du Rêve (ou Dreamtime) quand les Ancêtres « Tingari » le parcouraient avec épouses et apprentis.

A chacune de leurs étapes, ils instauraient divers rites que les Aborigènes n’ont cessé depuis de célébrer : par des chants, des danses et des peintures sur sol mettant en scène le cheminement des « Tingari » et les grands épisodes de leur geste toujours évoqués de manière mystérieusement symbolique.

Concernant Tjiturrulnga la légende rapporte plus précisément que des « Hommes Tingari » y firent étape et qu’ils y récoltèrent diverses plantes nourricières : l’igname du bush (pitjara), la tomate du bush (pura), le raisin du désert (kampurarrpa) – manière de dire qu’ils les créèrent. Ils creusèrent aussi le sol pour établir un point d’eau autour duquel les Aborigènes célèbrent depuis leur souvenir.

Trace et preuve du passage fécondant des ces grands Ancêtres, ce site fait aussi l’objet d’une réécriture symbolique de la part de l’artiste qui suggère dans les indications qu’elle veut bien livrer sur son œuvre que les formes évoquant les dunes de sables peuvent aussi s’interpréter comme des nulla-nulla, sorte de longs bâtons faisant office d’épées ou de masse d’armes et portés par les Ancêtres « Tingari ».

D’une manière très caractéristique de la peinture aborigène, l’œuvre mêle ainsi géographie actuelle et passé mythique, cartographie symbolique et évocation allégorique pour dire le passage des « Tingari » et célébrer les conséquences de leurs actions – tout en ne les mettant pas en scène directement : ce faisant, cet art très coloré et donc très « présent » est aussi un art de l’invisible et du secret.

Découvrez cette oeuvre sur le site de la galerie Arts d'Australie • Stéphane Jacob, expert en art aborigène

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4 janvier 2017 3 04 /01 /janvier /2017 14:04

Suite de notre post sur la collection Kaplan & Levi où nous vous apprenions que ces deux collectionneurs américains passionés d'art aborigène avaient fait dont de huit toiles au Metropolitan Museum de New York.

Une de ces toiles est une oeuvre d'Abie Loy Kemarre. Proche parente des femmes artistes qui ont fait la renommée de l’école d’Utopia - Ada Bird Petyarre, Gloria Petyarre, Kathleen Petyarre et Emily Kngwarreye – et membre comme elles du clan Anmatyerr, Abie Loy  est née en 1972 dans cette communauté située, au cœur du désert australien, à 275 kms au nord-est d’Alice Springs.
Elle a commencé à peindre en 1994 sur les conseils de sa grand-mère, la célèbre Kathleen Petyarre, qui l’a guidée dans ses premiers travaux, inspirés des « rêves » dont elle est la gardienne rituelle : principalement celui de la “ poule du bush ” (Bush Hen Dreaming) - en fait un volatile assez proche de la dinde et qui, comme beaucoup d’animaux en Australie, a une valeur totémique pour certains clans aborigènes - et celui de la “ Bush Leaf ” dont cette toile est la célébration.
Abie Loy Kemarre a, en effet, rapidement acquis une manière propre qui rend son travail tout à fait remarquable et  explique certainement le nombre et le succès de ses expositions personnelles ou collectives en Australie tout d’abord depuis 1997 (Perth, Brisbane, Adélaïde, Melbourne ou Sydney) mais aussi aux USA (Miami, Seattle), en Indonésie ou encore en Europe (Allemagne, Espagne, France) et, d’autre part, sa présence dans la plupart des collections privées et publiques australiennes

Nous sommes fiers d'avoir fait découvrir en France son travail et d'avoir facilité l'entrée d'une de ses toiles monumentales dans les collections du musée des Confluences à Lyon. Cette oeuvre a d'ailleurs été utilisée pour illustrer la couverture du livre "Aborigenes. Collections australiennes contemporaines du Musée des Confluences (Lyon)" co-écrit par Wally CARUANA, Barbara GLOWCZEWSKI, Pierre GRUNDMANN, Stéphane JACOB, Jessica de LARGY HEALY, Arnaud MORVAN.

Une autre œuvre d'Abie Loy a également illustré la couverture du catalogue de l’exposition événement "Ancestral Modern. Australian Aboriginal Art » qui a eu lieu au Seattle Art Museum, en 2012 aux Etats-Unis.

Nous avions également invité Abie Loy et sa grand-mère en 2010 pour le Parcours des Mondes (voir photos) avant qu'elles n'aillent en résidence d'artiste à Daoulas à l'occasion de l'exposition "Grand Nord-Grand Sud. Artistes Inuits et Aborigènes", à l'Abbaye de Daoulas (Bretagne) montée en collaboration avec le musée des Confluences. Une vidéo avait été tournée à cette occasion montrant ces deux artistes en train de peindre (visionner la vidéo ici).

Les éditions Arts d'Australie • Stéphane Jacob ont ensuite publié le premier catalogue monographique sur son oeuvre : "Abie Loy Kemarre : Abstraction Lyrique", co-écrit par Jane Raffan et Stéphane Jacob. + d'info sur ce livre

Lire sur le site du MET l'annonce de l'arrivée de huit peintures aborigènes.Abie Loy : couverture du catalogue du musée des Confluences

Abie Loy et Stéphane Jacob au Parcours des Mondes en 2010

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19 décembre 2016 1 19 /12 /décembre /2016 09:30

Visionnez comme dans un livre quelques unes des peintures et sculptures aborigènes arrivées récemment à la galerie Arts d'Australie • Stéphane Jacob.

Pour voir ce catalogue, cliquez ici.

Oeuvres aborigènes

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8 décembre 2016 4 08 /12 /décembre /2016 10:05

La peinture aborigène contemporaine s'est faite connaître dans les années dix-neuf-cent soixante-dix grâce à des peintres aborigènes nés dans le désert central qui ont décidé de peindre sur des surfaces planes des représentations des légendes sacrées (ou "Jukurrpa") de leurs peuples . Dès le départ, ces artistes ont employé un style pointilliste.

Voici un extrait de notre livre "La peinture aborigène" sur le pointillisme ou "dot-painting" :

"La plupart des motifs sont tracés au moyen de lignes de pointillés (dots en anglais) sur un fond plus sombre, lui aussi constitué de pointillés qui laissent voir, par transparence, un à-plat opaque. On trouve l’origine du point aussi bien dans la peinture sur sable, la décoration corporelle, que sur les gravures rupestres poinçonnées. Le pointillisme moderne s’est généralisé dans toutes les communautés artistiques du désert. Peut-être parce que c’est un élément graphique adapté à la toile et à la peinture acrylique. Sans doute aussi parce que le point permet le scintillement, la recréation de la lumière. Pourtant, des peintres aborigènes d'autres régions l'emploient également (comme avec cette oeuvre).
Avec les points, les artistes tracent des lignes ou des contours. Les points ne se mélangent jamais, mais se suivent, serrés.
L’artiste alterne différentes couleurs pour renforcer sa ligne, sans les mélanger. Cette démarche technique et esthétique des maîtres du désert ne s’est jamais appuyée sur des bases théoriques, comme celles sur le contraste et la lumière, qui influencèrent les impressionnistes et les pointillistes, en France, au XIXe siècle. Mais sur le plan esthétique, on arrive au même résultat de vibration, de profondeur et d’énergie.
Le dot painting  a une double fonction : esthétique et rituelle. Le pointillisme permet de saturer l’espace total de la toile, remplissant les creux et les espaces vides, densifiant le décor en créant un fond neigeux, très serré. Ce traitement permet de récréer et d’incarner les paysages, la géologie et la végétation. Les fonds sont de couleurs variées, signifiant et incarnant un type de paysage (dunes, rochers) ou une végétation particulière. La couche sous-jacente, souvent noire, transparaît entre les motifs. Cela crée un effet de volume.
Certains artistes, comme Emily Kame Kngwarreye saturent la toile de vibrations de couleurs serrées et denses, évoquant formellement le pointillisme européen.
D’autres, telle Abie Loy, espacent et allègent les points pour créer un effet évanescent, comme la voie lactée.
Le pointillisme a une autre fonction. Au début du mouvement artistique, les artistes étaient des hommes de savoir, des grands initiés. Lorsqu’ils se rendirent compte que leurs récits sacrés seraient exposés à des non-initiés, certains utilisèrent cette technique pour cacher certaines parties du récit ou, au contraire, par transparence, les révéler de façon dynamique, magique, comme les métaphores chez les poètes symbolistes."

Visionnez notre diaporama sur le sujet

Voir des peintures pointillistes aborigènes sur le site de la galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob, expert en art aborigène.

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3 novembre 2016 4 03 /11 /novembre /2016 09:40

Valérie Apiou a rencontré Stéphane Jacob - expert en art aborigène - sur son stand d'Art Elysées Art & Design afin de parler d'art et de peinture aborigène.

Voir la vidéo sur le site d'Arte

 

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20 octobre 2016 4 20 /10 /octobre /2016 10:44

Margaret Levi & Robert Kaplan ont constitué au fil des années l’une des plus grande collection privée d’art aborigène  aux Etats-Unis.


C’est en 1984 que Margaret Levi, originaire de Seattle, est invitée par la Research School of Social Sciences (Australian National University) en sa qualité de sociologue. C’est lors de ce premier voyage qu’invitée à un repas chez l’anthropologue Diane Bell (une des premières à avoir livré une étude approfondie sur les femmes aborigènes), elle découvre, accrochée au mur de son salon, une grande peinture acrylique de l'artiste aborigène Dick Leichleitner. Tombée en admiration devant cette œuvre, Margaret décide d’aller voir l’artiste à Alice Springs afin de lui commander une toile.

L'année suivante, Margaret retourne en Australie et, malheureusement, est victime d’un grave accident, renversée par une voiture. Sept ans plus tard, au bout d’un long procès, elle obtient finalement enfin des dommages et intérêts. Elle décide alors d’acheter immédiatement une peinture d’Emily Kngwarreye. Entre temps, Margaret épouse Bob et, ensemble, ils décident d’utiliser l'argent du dédommagement afin de constituer une collection de qualité muséale. Bien que l’art aborigène soit alors peu connu aux États-Unis et qu’aucun musée ne montre d’intérêt pour leur collection, Margaret et Bob continuent d’enrichir celle-ci, ne choisissant que des œuvres qui les fascinent, aidés en cela par des galeristes ou bien des directeurs de centres d’art qui repèrent pour eux les plus belles pièces.Cette collection commencée il y a plus de trente ans leur a permi d’accumuler de nombreuses pièces mais aussi des souvenirs inoubliables, comme celui de la regrettée Dorothy Napangardi. Cette artiste dont le travail les subjuguait était même venu passer « Thanksgiving » dans leur maison à Seattle, à l’occasion d’une exposition aux Etats-Unis. Bob se remémore d’ailleurs avec joie ce repas pendant lequel Dorothy leur avait fait part de ses talents de chasseuse de varan. En effet celle-ci arrivait à les stopper dans leur élan rien qu’en chantant.
 
Dès 1996, le Seattle Art Museum commence à exposer régulièrement des œuvres de leur collection pour créer par la suite une galerie permanente consacrée à l'art aborigène australien (la première grande galerie des Etats-Unis dédiée à cet art) grâce notamment aux généreux dons de Margaret et Bob.

La cote de l’art aborigène n’a cessé d’augmenter au fil des années, une œuvre de Clifford Possum Tjapaltjarri a d’ailleurs été vendue pour 2 millions de dollars en 2007 par la National Gallery of Australia. Dernièrement, une vente aux enchères à Londres a dépassé toutes les attentes de Sotheby’s (article ici).
 
Le dernier coup d’éclat en date de ces deux collectionneurs passionnés a été le don par leurs soins de huit toiles au Metropolitan Museum de New York.
 
L'entrée d'Abie Loy dans les collections du MET.

L'entrée de Kathleen Petyarre dans les collections du MET.

Visionner une interview filmée de Margaret Levi & Robert Kaplan

David Kaplan & Margaret Levi

 

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Présentation

  • : Le blog de la galerie Arts d'Australie • Stéphane Jacob, Paris
  • Le blog de la galerie Arts d'Australie • Stéphane Jacob, Paris
  • : Stéphane Jacob, diplômé de l'Ecole du Louvre, spécialiste de l'art australien contemporain, Expert C.N.E.S. en art aborigène, a créé en 1996 la galerie Arts d'Australie · Stephane Jacob en France à Paris dans le XVIIe arrondissement.Expert en art aborigène.Membre de la Chambre Nationale des Experts Spécialisés en Objets d’Art et de Collection (C.N.E.S.)Membre du Comité Professionnel des Galeries d'ArtSignataire de la Charte d’éthique australienne Indigenous Art Code / www.artsdaustralie.com
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